31 octobre, fête de l’Halloween. Qu’écouterez-vous aujourd’hui, histoire de vous mettre dans l’ambiance? Plusieurs compositeurs ont écrit des Å“uvres inspirées par l’horreur. On peut mentionner : La Nuit sur le mont Chauve de Moussorgski (1867), Hallowe’en de Charles Ives (1906), Nuits de Iannis Xenakis (1967) ou Hallucinations de John Corigliano (1981). Thrène à la mémoire des victimes d’Hiroshima de Krzysztov Penderecki (1959) reste une Å“uvre particulièrement prenante. « Puisse le Thrène exprimer ma ferme conviction que les sacrifices d’Hiroshima ne soient jamais oubliés et perdus », notait le compositeur. Dark Angels de George Crumb (1970), écrite pendant la guerre du Vietnam, se veut une représentation musicale de l’opposition entre Dieu et le diable. Musica Ricercata (II) de György Ligeti, utilisée il y a quelques années dans le film Eyes Wide Shut, nous plonge dans l’angoisse avec sa seconde mineure lancinante.

Dans un registre plus atmosphérique que terrifiant, je vous propose également Sympathy for a Devil Painted in Black, dans un enregistrement pour cordes, interprété par Angèle Dubeau & La Pietà.

Deux jours avant l’Halloween, occasion rêvée de revisiter un classique du genre. La Danse macabre a été composée en 1874 par Camille Saint-Saëns et s’inspire d’un poème d’Henri Cazalis. La première fois qu’elle a été jouée, le public l’a franchement détestée, la trouvant trop avant-gardiste. Pourtant, aujourd’hui, qui ne connait pas cette pièce du répertoire (que Saint-Saëns lui-même cite dans son Carnaval des animaux)?

L’histoire est simple. Minuit sonne. Satan ouvre le bal. La Mort apparaît, accorde son violon. Les violons marquent le rythme de danse sur des quintes ouvertes, qui donnent presque l’impression que les instruments sont désaccordés. Par leur côté dépouillé, ils rappellent aussi le vent d’hiver. Saint-Saëns utilise la quinte diminuée, longtemps considérée l’« intervalle du diable » pour que l’on comprenne bien que ce n’est pas un bal ordinaire. La ronde commence, doucement au début, comme si les squelettes sortaient doucement de leurs tombeaux. Elle s’anime ensuite, semble s’apaiser puis repart de plus belle jusqu’au chant du coq. Tout le monde retourne se coucher… jusqu’au lendemain.

En partage, le poème de Cazalis qui a inspiré l’oeuvre.

Zig et zig et zag, la mort en cadence
Frappant une tombe avec son talon,
La mort à minuit joue un air de danse,
Zig et zig et zag, sur son violon.

Le vent d’hiver souffle, et la nuit est sombre,
Des gémissements sortent des tilleuls ;
Les squelettes blancs vont à travers l’ombre
Courant et sautant sous leurs grands linceuls,

Zig et zig et zag, chacun se trémousse,
On entend claquer les os des danseurs,
Mais psit ! tout à coup on quitte la ronde,
On se pousse, on fuit, le coq a chanté

Pour l’écouter, interprétée par Angèle Dubeau & La Pietà…

Louis, jeune percussionniste qui a de la difficulté à se faire un nom, a l’impression de voir sa vie lui échapper. Célibataire depuis que Véronique l’a laissé six mois auparavant, locataire d’un appartement des plus exigus, incapable de gagner sa vie correctement, il voit sa vie basculer un soir, alors que l’attend sur son répondeur un message de l’Orchestre Symphonique. En effet, on lui offre un contrat qu’il n’espérait plus, pour jouer une seule note de triangle, lors de la création d’une Å“uvre du compositeur coréen Park In Won. Ce qui aurait pu s’avérer un jeu d’enfant devient bientôt un cauchemar pour Louis, dès qu’il évoque cette dite note, que ce soit chez lui, en répétition, ou dans les instants précédant le concert. Cherchant par tous les moyens à vaincre cette angoisse, il rencontrera d’autres protagonistes qui, l’un après l’autre, dévoileront un nouveau pan d’une histoire contrapuntique.

Dans ce deuxième roman, paru chez Leméac l’année dernière, Nicolas Gilbert privilégie une langue fluide, sans aspérités, mais le compositeur n’a pas résisté à intégrer juste assez de clins d’oeil pour que les spécialistes sourient (parfois jaune) en catimini. La grande forme offre une stabilité à l’édifice mais s’efface derrière la vivacité de la narration. On s’attache aux personnages croisés par Louis, que ce soit le chef d’orchestre Pierre Delambre (un composite savoureux des archétypes rencontrés dans le milieu), la mystérieuse Justine (qui doit faire face à certains choix existentiels douloureux elle aussi), Serge Cardinal, chef de la section des percussions qui tente de colmater l’angoisse de Louis en lui faisant rencontrer Deléglise, percussionniste à la retraite (et sacré numéro) ou même le proprio de Louis (qui tient un salon de coiffure au rez-de-chaussée). On tourne les pages, avec plaisir, réalisant parfaitement que l’auteur tisse les fils d’une histoire dont le dénouement n’est peut-être pas celui que l’on attendait. On réalise surtout que, en quelques centaines de pages, l’auteur a su trouver sa voix.

Lyne Fortin nous offre une arme redoutable pour combattre la grisaille très novembre que nous subissons depuis quelque temps: Jardins d’Espagne. La soprano aime concevoir des thèmes de concert avec des thématiques sortant de l’ordinaire. Elle  a souhaité ici offrir un répertoire moins connu, mais brillant du feu si caractéristique de l’Espagne. « On se couche tard, on danse, il fait chaud, souligne-t-elle en parlant de l’exotisme lié à la région. Toutes ces pièces me font vibrer! »

Elle admet que son engouement pour le chant espagnol n’est pas étranger au charmant Joselito, l’« enfant à la voix d’or » qui, jadis, la faisait rêver et a peut-être bien contribué en partie à son choix de carrière: « Sa vie changeait parce qu’il était chanteur. »

On retrouve aussi bien sur l’album des chants traditionnels arrangés par Nin et Obradors que des relectures françaises des idiomes hispaniques et des lieder de Wolf (extraits de son Spanisches Liederbuch) et Strauss (ses délicates Mädchenblumen, qui tracent le portrait de jeunes filles en fleur, littéralement).

À découvrir ici…

J’admets volontiers ne posséder qu’un bagage rudimentaire pour apprécier la musique électronique. Si j’ai moi-même bidouillé des circuits dans un studio de musique électro-acoustique jadis et apprécie toujours la découverte de nouvelles sonorités, j’étais perplexe face aux manipulations elles-mêmes. Le compositeur Patrick Loiseleur consacre un billet récent de son blogue à l’explication de celles-ci. À apprécier ici…

C’est cet après-midi, 15 h 15 et samedi soir, 19 h, que les heureux cinéphiles montréalais pourront voir et entendre Notes From the Kuerti Keyboard au Festival du nouveau cinéma… Je vous en parlais plus en détails ici…

Vous pouvez aussi accéder à la page Facebook du film là…

La pianiste Louise Bessette lançait il y a une dizaine de jours son tout dernier album, Regards sur l’Espagne. Le point de départ de ce projet a été la suite Andalucia de Lecuona,  qui remporte toujours un grand succès quand elle l’interprète en concert. « La partition est très bien écrite et comprend de nombreux grands thème espagnols », explique-t-elle. Ce constat l’a donc conduit à vouloir présenter un album qui offrirait un portrait riche du répertoire de la péninsule ibérique ou qui s’en inspire.

Un segment contemporain étant essentiel pour cette artiste qui a créé de nombreuses Å“uvres, elle a décidé de se tourner vers la musique de José Evangelista, dont elle avait déjà enregistré les Monodías españolas pour Salabert. Écrits à l’unisson, de façon modale, regorgeant de thèmes folkloriques espagnols, les Nuevas monodias españolas font la part belle aux ornements, qu’ils soient appogiatures, trilles ou autres. « Chacune des 21 monodies de cet ensemble de 13 minutes possède une atmosphère qui les différencie. Certaines sont des chansons d’amour, d’autres des berceuses, des danses. »

En totale opposition de ces pièces à l’atmosphère plutôt éthérée, elle a choisi d’y juxtaposer les Danzas gitanas de Turina, entièrement incarnées, « très rythmées, dansantes, pleines de couleurs » ainsi que l’hommage de Tomás Marco écrit pour le centenaire de naissance de Turina. Une aérienne, quasi-hypnotique pièce de Mompou – peut-être bien ma préférée de tout l’album – et un tango d’Albeniz complètent le programme.

Lucie

Un répertoire à s’approprier ici…

J’assistais hier soir à l’événement de la saison pour l’OSM, du moins à en croire la surenchère des revendeurs qui n’hésitaient pas semble-t-il à proposer des billets pour ce concert éclaté, donné à la Brasserie Molson, au prix unitaire de 125 $ (prix régulier du billet: 28 $!).

Si vous souhaitez savoir ce que j’en ai pensé…

J’aime les initiatives un peu déjantées et je ne pouvais passer celle-ci sous silence. Demain soir, l’Orchestre symphonique de Montréal présentera en collaboration avec MUTEK  un concert à la Brasserie Molson. Le concert commencera à 22 h (heure de clôture du concert en tant normal) et le programme, sous la direction du directeur musical Kent Nagano, comprendra Messagesquisse de Pierre Boulez (pour violoncelle solo accompagné de six autres violoncelles) et la Symphonie no 1 « Titan » de Gustav Mahler.

Après cette première partie « classique », une équipe s’occupera de ramasser toutes les choses pendant que les invités pourront boire quelques gorgées de bière M. Le public sera alors rappelé en « salle » (dans l’entrepôt même de la brasserie) et le  producteur Thomas Fehlman proposera une variation sur le thème de la Symphonie « Titan » qui sera suivie d’une performance solo. Le duo berlinois Substance & Vainqueur présentera ensuite Scion Versions Live, histoire de faire danser les passionnés d’électro jusqu’à 3 h du matin.  Éclaté, vous avez dit?

Lucie

Enfant, il souhaitait être « morning man », histoire sans doute de partager ses coups de cÅ“ur musicaux entre deux interventions. Entrepreneur né, il met sur pied à 25 ans une compagnie de tournée, avant de fonder, en 1982, Gestion artistique mondiale, l’un des plus importants bureaux imprésarios au Canada, dont il acquiert deux ans plus tard la totalité des actions. Le rêve n’était pourtant pas complet et, en 1988, Analekta voit le jour, étiquette à la personnalité distincte qui continue de se démarquer, plus de 20 ans après. Le Devoir trace un portrait de l’homme d’affaires dans son édition d’hier. Et l’avenir de la musique classique, devrait-on s’inquiéter?

« Je crois à la dématérialisation. Il y aura de multiples façons de consommer de la musique. Nous serons les derniers à vendre des CD dans environ 10 ou 15 ans. Le numérique va entraîner un retour à la gratuité de la musique, comme l’écrivait Jacques Attali, il y a quatre ans. La rémunération passera par un abonnement au câble, ce qui est déjà commencé. Il restera des ventes à la pièce sur Internet. Et puis, il y aura aussi la publicité. Un fournisseur offrira un MP3 gratuitement, à la condition que le client écoute une publicité pendant le chargement. Ce sera un client captif, content qu’on lui donne un cadeau, de la musique par exemple. »

À lire ici…