Compositeur, pianiste accompli mais aussi critique musical (sous le pseudonyme de Monsieur Croche), Claude Debussy a bousculé les traditions du romantisme du XIXe siècle et a ouvert la voie aux explorations sonores qui devaient caractériser le XXe  siècle.

Tout jeune pourtant, il pensait consacrer sa vie à la peinture alors que lors d’un séjour prolongé chez son parrain Achille Arosa, courtier en tableaux et collectionneur, il tombe sous le charme de Camille Corot, Eugène Delacroix, Gustave Courbet, Honoré Daumier, Robert Turner et de tous les impressionnistes (voir encadré). À l’âge de neuf ans, il découvre la musique et commence des leçons avec Madame Mauté, ancienne élève de Frédéric Chopin. L’année suivante, il entre au Conservatoire de Paris, institution qu’il fréquentera pendant dix ans. Étudiant brillant mais rebelle, il a maille à partir avec l’académisme de plusieurs de ses professeurs. En classe d’improvisation avec le compositeur César Frank, alors que celui-ci s’exclame : « Modulez! Modulez! », Debussy répond avec aplomb : « Pourquoi? Je suis parfaitement heureux où je suis! » À Ernest Guiraud, son professeur de composition, qui lui dit : « Je ne dis pas que ce que vous faites n’est pas joli, seulement que c’est théoriquement absurde », il rétorque : « Il n’existe pas de théorie. Vous n’avez qu’à écouter. Le plaisir est la loi. » (Lire la suite…)

C’est le 16 novembre 1895 que naissait à Hanau (près de Francfort-sur-le-Main) le compositeur Paul Hindemith. Compositeur et chef d’orchestre, il est également altiste et jouera à l’opéra de Francfort et, de 1921 à 1929, sera l’altiste du célèbre quatuor Amar, au sein duquel il milite activement en faveur de la musique d’avant-garde. Il enseignera dès 1927 la composition au Conservatoire de Berlin, puis en Suisse, où il émigrera en 1938, suite à des conflits avec les autorités nazies. En 1940, il part aux États-Unis où il enseigne à l’université Yale, comme professeur de composition. En 1951, il retrouve l’Europe et occupe la chaire de musicologie à l’université de Zurich. Il mourra le 23 décembre 1963 à Francfort.

Sa rythmique, désignée sous le nom de Motorik (motorisme), souhaite représenter l’ère industrielle en musique. On qualifie d’ailleurs régulièrement sa musique de Gebrauchsmusik, musique utilitaire. Hindemith a écrit plus de 100 Å“uvres, consacrant notamment nombre de sonates et de concertos à certains instruments généralement oubliés. On peut découvrir sa très belle Sonate pour harpe sur Révélation, récital de Valérie Milot.

Je partage ici quelques citations du compositeur.

« Le silence, un des plus doux cadeaux du ciel dans ce monde tapageur! Le silence, l’horizon contre lequel seule la musique assume le contour et la signification. »

« La création artistique est personnelle parce qu’elle est aussi privée que vos rêves; personne ne peut intervenir dans vos fantaisies artistiques, et cependant si des forces physiques peuvent empêcher une œuvre d’art de se réaliser, l’acte personnel de création dans l’esprit de l’artiste ne peut jamais être touché. »

« Les créateurs artistiques sont inépuisables parce que la pensée humaine est inépuisable. »

Si je vous dis Mendelssohn, vous penserez automatiquement à Felix, enfant prodige, compositeur prolifique, qui a laissé nombre d’œuvres intéressantes avant d’être fauché trop tôt par la mort. Mais il y a aussi sa sÅ“ur aînée, Fanny Hensel-Mendelssohn, née le 14 novembre 1805 à Hambourg.

Élevée comme son frère au milieu d’une famille extrêmement cultivée (son grand-père est le philosophe Moses Mendelsssohn), elle reçoit la même éducation que son cadet et prend donc elle aussi des cours de piano et de composition. Malgré ses dons évidents, on l’empêchera néanmoins de se consacrer entièrement à sa passion. Comme l’écrit le banquier Abraham Mendelssohn à sa fille le 16 juillet 1820 : « La musique sera peut-être pour lui (Felix) une profession mais pour toi elle ne peut et ne doit être qu’un agrément. »

Elle épouse en 1829 le peintre Wilhelm Hensel, organise à partir de 1843, elle supervise les concerts du dimanche matin à l’Elternhaus de Berlin, mais continuera toujours de composer. On lui doit plus de 450 pièces, donc un trio avec piano et nombre de mélodies et de pièces pour piano. Six des Lieder de jeunesse attribués son frère Felix seraient en fait d’elle, comme l’a reconnu plus tard Felix.

Elle mourra à Berlin d’une crise d’apoplexie le 14 mai 1847. On peut en apprendre plus sur la compositrice ici…

Ralph Vaughan Williams, né le 12 octobre 1872 à Down Ampney, est un compositeur britannique qui s’est aussi bien illustré dans le domaine symphonique que dans celui de la musique de chambre, l’opéra, la musique chorale et la musique de film. Très influencé par la musique folklorique, il devait publier en 1906 le célèbre English Hymnal qui regroupe, outre des compositions personnelles, un grand nombre d’arrangements de chansons traditionnelles dont il fait des airs à part entière.

En 1897, il visite l’Allemagne, notamment pour suivre des cours avec le compositeur Max Bruch avant que de passer son doctorat en musique à Cambridge en 1901. Pendant un séjour en France en 1909, il rencontrera également Maurice Ravel, ce qui contribuera fortement à faire gagner en maturité son style orchestral.

Sa découverte de la musique traditionnelle anglaise n’a cessé d’influencer son œuvre musicale à laquelle il a incorporé des éléments des chansons du folklore qui le fascinent.

On peut écouter ici sa Fantaisie sur le populaire Greensleeves.

Il y a 105 ans aujourd’hui, Dmitri Chostakovitch naissait. Souvent considéré aujourd’hui comme le « Beethoven du XX^e siècle », il est l’auteur de 15 symphonies monumentales, véritables chants du peuple soviétique, dans lesquelles il loue en apparence le régime (en utilisant par exemple des chants ou des rythmes militaires) mais le décrie de façon déguisée (juxtaposant par exemple à ces chants des dissonances). Il en dit: « La plupart de mes symphonies sont des monuments funéraires, a affirmé Chostakovitch. Trop de gens, chez nous, ont péri on ne sait où. Et nul ne sait où ils sont enterrés. Même leurs proches ne le savent pas. Où peut-on leur ériger un monument ? Seule la musique peut le faire. Je leur dédie donc toute ma musique »

Même s’il s’est mérité à plusieurs reprises le Prix d’État et le Prix Lénine (en 1954, il sera même nommé « Artiste du peuple soviétique »), il se sentira constamment déchiré entre son œuvre « officielle », louangée par les dirigeants (et les pressions qu’il devra subir pour la réaliser) et son œuvre intime, d’une grande liberté, magnifiquement transmise notamment dans ses 15 quatuors à cordes et deux trios à cordes. « En écoutant ma musique, vous découvrirez la vérité sur moi, l’homme et l’artiste ».

Pour écouter ses trios avec piano, interprétés par le Gryphon Trio…

On peut aussi écouter son Concerto pour piano no 1 et sa symphonie de chambre, interprétés par Serhiy Salov et I Musici de Montréal

Aujourd’hui, 24 août, naissait à Venise en 1684, le compositeur Alessandro Marcello, fils de sénateur qui, même s’il avait fait de sérieuses études musicales, n’aurait jamais à en faire un métier. Il donnait néanmoins une série de concerts hebdomadaires chez lui et l’art occupait la majeure partie de ses journées. En effet, en plus de composer, il jouait du violon, chantait, peignait, écrivait de la poésie, en plus de s’adonner aux mathématiques et à la philosophie.

Alessandro a longtemps été dans l’ombre de son frère Benedetto, impliqué de plus près dans les intrigues politiques de la ville. On le connait maintenant surtout pour son concerto pour hautbois, cordes et basse continue en ré mineur qui servit, avec les concertos de Vivaldi, de modèle à Bach. Le concerto a été publié en 1718, chez Jeanne Roger, dans un recueil de Concert a cinque signés par divers auteurs, dont Vivaldi et Albinoni. Les recoupements ont pris un certain temps à se faire, puisque le manuscrit du concerto pour clavier BWV 974 de Bach mentionne qu’il est tiré d’un certain Eterico Stinfalico… pseudonyme d’Alessandro Marcello dans l’académie romaine d’Arcadie, cercle d’intellectuels réunis à Rome autour de la reine Christine de Suède!

On peut écouter sur l’album Festin baroque de Tafelmusik ici…

livier Messiaen, le compositeur français contemporain le plus admiré, à défaut d’être entièrement compris, occupe une place unique au panthéon des artistes du XXe siècle. Pédagogue incomparable dont la classe très courue d’analyse et d’esthétique musicale a révélé à eux-mêmes les Boulez, Xenakis ou Stockausen, son influence sur plusieurs générations de compositeurs reste perceptible encore aujourd’hui, près de 20 ans après son décès, en avril 1992.

De nombreux musiciens, français bien sûr mais aussi étrangers, ont pu trouver leur propre voix grâce à l’ouverture d’esprit, la curiosité, le respect de la liberté de chacun et l’humanisme que tous reconnaissent en Messiaen. L’impact de Messiaen au Canada, et plus particulièrement au Québec, est indéniable. À une époque où le pays commence à peine à véritablement organiser sa vie musicale, plusieurs jeunes compositeurs et interprètes canadiens parmi les plus importants aujourd’hui – Gilles Tremblay, Serge Garant, André Prévost, Jacques Hétu, Steven Gellman, etc. – séjourneront en France et bénéficieront de l’enseignement du maître. À leur retour chez nous, ils auront les atouts et l’enthousiasme nécessaire pour participer aux premiers concerts de la scène musicale contemporaine, mettre sur pied ensembles et festivals, et obtenir des postes de professeur de composition dans les principales institutions canadiennes.

La pianiste Louise Bessette reste l’une des interprètes les plus saluées dans Messiaen. On peut l’entendre dans l’album Les oiseaux…

C’est le 14 mars 1681 que naissait Georg Philipp Telemann, certes l’un des compositeurs les plus prolifiques de l’histoire de la musique occidentale. (Il a écrit plus d’Å“uvres que Bach et Handel réunis.) Il était certes le plus apprécié des compositeurs allemands de son époque, éclipsant même Bach côté prestige (rappelons que Telemann était le premier choix du conseil de la ville de Leipzig pour occuper le poste de cantor mais, comme il n’était pas disponible, on proposa l’emploi à Bach plutôt) et salaire (le salaire de Telemann était trois fois plus élevé que celui de Bach). Telemann a écrit plus de 1000 cantates, sans compter passions, oratorios, messes, opéras, sonates, chants, Å“uvres pour clavier, suites orchestrales et concertos.

Il a aussi fondé en 1704, le Collegium Musicum qui, quelques années plus tard (de 1729 à 1739), sera placé sous la direction de Bach. Les membres de ce groupe informel de musiciens amateurs se rencontraient chaque semaine en plein air ou dans un des cafés de la ville, notamment au Café Zimmermann, à Leipzig.

On peut entendre sa sonate pour deux flûtes (l’une à bec, l’autre traversière, les deux étant en bois néanmoins à l’époque de Telemann) sur l’enregistrement Telemann et les gitans baroques de l’Ensemble Caprice.

Vous avez fait une overdose de Chopin, avez découvert avec plaisir les symphonies de Schumann et vous préparez à remballer pour une deuxième année Mahler consécutive? Mais, au milieu de ces anniversaires, n’auriez-vous pas oublié que 2010 était aussi l’année du 250e anniversaire de la mort de Christoph Graupner?

Très prolifique, le compositeur a écrit 1418 cantates d’église, 24 cantates profanes, 113 symphonies, environ 50 concertos, 86 ouvertures-suites, 36 sonates pour des ensemble instrumentaux, et un important corpus de musique pour claviers. Saviez-vous qu’il a brigué en 1722-23 le même poste que Jean Sebastian Bach, celui de successeur du célèbre Telemann? Il a d’ailleurs remporté le concours (Bach ne pouvait pas enseigner le latin), mais le landgrave de Darmstadt refusant son départ, il le gratifia plutôt d’une augmentation substantielle.

Jean-Jacques Walther propose ici un évocateur dialogue imaginé entre le maître de chapelle Graupner et le vice-maître de chapelle Johann Samuel Endler.  À lire ici…

Nous vous proposons aussi un extrait de la Cantate pour le dimanche après Noël de Graupner, interprété par les Idées heureuses et l’alto Claudine Ledoux.

Aujourd’hui, 1er mars, on célèbre l’anniversaire de Chopin. (En fait, les musicologues ne sont même pas tous d’accord au sujet de cette fameuse date du 1er mars, certains proposant deux dates antérieures.) Si on connait bien Chopin le compositeur ou Chopin l’amant de George Sand, on oublie souvent que Chopin était un pédagogue exceptionnel. Pourtant, les faits sont là : Chopin, pourtant autodidacte (son seul professeur de piano, Zywny, était violoniste!) a passé près du quart de son existence à l’enseignement, ce qui démontre éloquemment l’importance qu’il accordait à la profession. Comme le soulignent les divers témoignages de ses élèves, rassemblés dans l’incontournable livre de référence signé Jean-Jacques Eigeldinger, Chopin n’enseignait pas uniquement pour arrondir ses fins de mois mais par une authentique passion pour l’enseignement.

« Dans ses leçons, Chopin agissait à la fois par la musique et par la parole. Il ne se contentait pas de jouer quelques fragments par-dessus les épaules de l’élève mais il lui exécutait souvent le morceau d’un bout à l’autre, voire à plusieurs reprises, en variant son interprétation, toujours à la recherche de la perfection dans le fini. Il ne négligeait pas pour autant de faire analyser la structure formelle des œuvres étudiées et recourait volontiers à l’image ou à la comparaison pour rendre sensible le climat d’un morceau comme pour susciter chez l’élève l’impulsion musicale juste. Là où Liszt jeune (1832) tente, mettant à profit une culture fraîchement acquise, de stimuler l’imagination d’une élève par la lecture d’une page de Chateaubriand ou d’un poème de Hugo, il suffit à Chopin d’une formule imagée, d’allure volontiers lapidaire, parce qu’il est intensément pénétré de la réalité de sa vision dans le moment même qu’il la traduit en mots. Ces créations spontanées qui faisaient surgir devant ses yeux ici une légion d’esprits fantasques, là une maison des morts, ailleurs le dialogue d’un oppresseur et de sa victime, ne témoignent pas tant d’un tempérament littéraire que d’une imagination visionnaire et d’un sentiment poétique plongeant racine dans les légendes populaires slaves. » ( Jean-Jacques Eigeldinger, Chopin vu par ses élèves)

On peut écouter ici sa Troisième Sonate, interprétée par Anton Kuerti…